La respiration abdominale, l’attitude pour bien jouer du piano
La respiration est vitale pour l’organisme. Elle est aussi importante au piano car elle permet de se mettre dans de bonnes conditions pour jouer.
Une respiration irrégulière, trop pressée ou carrément des passages en apnée n’est pas bon. Cela entraîne de l’inconfort jusqu’à une situation de stress.
Au contraire, il est conseillé d’adopter une respiration profonde, calme et régulière pour lutter contre le stress. On privilégiera au piano une respiration abdominale (ou ventrale).
Retrouvez sur cette page : les techniques pour apprendre à jouer du piano
C’est quoi la respiration abdominale ?
Sur l’aspect purement biologique, la respiration permet d’oxygéner nos cellules. Toutes nos cellules, nos muscles et notre cerveau. C’est vital et cela amène l’énergie nécessaire à notre fonctionnement.
Au piano, il faut essayer de respirer de façon abdominale. C’est une respiration par le bas, le ventre se gonfle. A l’opposer de la respiration thoracique pour laquelle on gonfle la poitrine.
La respiration abdominale est aussi une technique recommandée par les sophrologues pour se concentrer et apprendre à gérer son stress.
Un petit aperçu en vidéo :
Respirez et soyez conscient de votre respiration
On est nombreux à accélérer sa respiration lorsque le morceau devient trop rapide. On est comme un coureur de fond qui s’oxygène mal, on se met un peu dans le rouge. A l’extrême, on s’arrête de respirer, on est en apnée. On espère être comme cela mieux appliqué sur notre jeu. Cela nous est tous arrivé, moi le premier. Mais ce n’est pas bon.
L’apnée nous met en situation de stress, le contraire du confort.
Concentrez-vous sur votre jeu et sur votre respiration
Adopter la bonne attitude c’est respirer régulièrement et profondément (par le ventre). Au début, il faut avoir conscience que l’on respire. C’est un véritable entraînement.
On retrouve ainsi tout notre calme pour mieux exécuter un morceau et des passages plus difficiles.
La bonne posture pour nous aider
Bien se tenir, c’est bien respirer. La position au piano ne doit pas être négligée. La bonne posture, c’est le dos droit, assis au milieu ou sur le bout de notre banquette de façon plus dynamique (pas trop quand même).
La bonne posture est l’alliée de la respiration : on crée l’environnement idéal pour préparer les bons gestes et donc pour jouer juste.
On est libre de nos mouvements et non pas avachi sur le siège, à demi en apnée ou à bout de souffle.
Glenn Gould (1932-1982) est l’exception qui confirme la règle. Sa position est le mauvais exemple à montrer dans les écoles de musique. Mais que peut-on reprocher à un surdoué du piano ?
La respiration du morceau dans tout ça
Dans un morceau, il y a aussi des silences, des fins de phrase. Ce sont des moments où il faut marquer une pause.
On peut donc en profiter pour prendre une vraie inspiration, comme le fait un instrument à vent. C’est aussi un bon moyen pour ne pas se précipiter et favoriser l’expression musicale.
La respiration est importante. Elle permet de se mettre dans de bonnes conditions au piano car elle joue sur notre état mental et physique.
Ce n’est pas par hasard qu’une bonne technique de respiration est mise en avant pour lutter contre le stress, bien dormir et même bien digérer…
Cet article vous a-t-il apporté des conseils utiles ?
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9 commentaires
La respiration est un de mes problèmes, respiration saccadée et irrégulière, allant parfois jusqu’à l’apnée… Merci Benoit pour ce truc que je vais essayer dès ce soir !
merci très très intéressant je crois que c’est plus qu’un truc c’est une façon de vivre, je le fait depuis plusieurs années en meditation mais je ne savais pas que l’on pouvait appliquer cela pour jouer au piano merci encore
Oui, ce sont des techniques de relaxation qui peuvent certainement s’appliquer dans beaucoup de situations.
Bonne continuation.
Bonjour Benoit,
Après plusieurs décennies de piano, j’éprouve toujours des difficultés à jouer sans faute un morceau pourtant travaillé. Or, lorsque je regarde des musiciens modernes, souvent autodidactes, ils semblent jouer naturellement sans réfléchir et pour le spectateur, pianoter sur un clavier semble alors facile. Alors la question qui vient à l’esprit et que n’évoque pas les professeurs : comment font-ils ?
– sont-ce des surdoués ?
– ont-ils énormément travaillé avant d’en arriver là ?
– y aurait-il une ou des méthode(s) non enseignées qui faciliteraient les choses ?
– OU alors et je veux bien l’admettre, certains apprentis dont je ferais partie ne pourraient -ils plus progresser au delà d’un certain niveau, pourtant peu élevé ?
Cette question me semble primordiale car je reste stupéfait devant la facilité de certains pianistes de groupes modernes qui disent ne pas avoir appris la musique alors que moi, j’ai dix ans de cours derrière moi.
MERCI
JMG
Bonjour Jean-Marie,
Merci pour ce message. La question soulevée est très pertinente.
Pour donner quelques pistes de réponse, il faut parler de l’apprentissage non pas du piano de manière générale mais des morceaux que l’on étudie de façon spécifique.
Ces pistes sont donc valables si on a 1 an de piano ou plusieurs années. En partant du principe que l’on a le niveau théorique (solfège) et technique pour jouer les morceaux que l’on met sous nos doigts.
L’apprentissage d’un morceau peut se découper de cette façon :
– 1ère lecture
– premiers déchiffrages
– mise des doigtés
– apprentissage des parties du morceau (directement mains ensemble ou en alternant mains séparées/mains ensemble pour des mesures plus difficiles)
A ce niveau, la connaissance du morceau n’est pas complète : certains rythmes, doigtés et positionnement peuvent faire défaut. Ce qui peut entraîner un ralentissement ou un blocage à plusieurs endroits de la partition. On a alors la sensation que vous décrivez. On ne joue pas sans faute le morceau.
C’est donc à ce niveau qu’il faut être méthodique pour ne laisser aucun manque : automatiser un maximum les parties du morceau. Répéter beaucoup plus et en boucle les mesures ou les transitions sur lesquelles le rythme n’est pas constant ou s’il y a des blocages. On peut se rapprocher du par coeur (essayez de détacher la partition pour voir combien de mesures vous connaissez de tête).
En jouant le morceau plus lentement, on sollicite aussi différemment nos muscles et notre cerveau pour connaître notre degrés de compréhension du morceau (surtout lorsque les passages sont très rapides). Cela favorise l’assimilation.
A ce stade, pour rendre le morceau impeccable, les répétitions doivent être constantes. Plus le morceau est technique, plus on doit redoubler d’effort (à condition que le morceau soit toujours à notre portée, même si techniquement supérieur, sinon on ne joue pas ce morceau).
On prendra l’image (donnée par le célèbre pédagogue Heinrich Neuhaus) : si on essaye de faire bouillir une casserole d’eau, il ne faut pas faire monter la température à 40-50 degrés puis éteindre pour s’occuper d’autre chose. En y revenant peu de temps après, renouveler l’opération ne sert à rien puisque l’eau a eu le temps de refroidir. Il faut donc mesurer le temps de travail à passer sur un morceau, y concentrer beaucoup de volonté et d’attention.
Donc, je ne pense pas qu’il y ai d’élèves surdoués mais plutôt des élèves exigeants qui passent beaucoup de temps. Un autodidacte (avec un bon bagage technique) qui apprend par cœur arrivera aussi à un bon résultat.
Merci benoit pour cette longue réponse. A l’occasion, quand vous aurez le temps, pourriez-vous, SVP, nous donner une méthode claire et imparable pour trouver la tonalité d’un morceau. Bien entendu, j’en connais les principes élémentaires, à savoir le nombre de dièses ou de bémols figurant à la clef mais cela n’est pas suffisant pour certains morceaux. En effet, et en principe, si vous êtes en sol M par exemple, le morceau devrait naturellement se terminer sur un accord de sol, ce qui n’est pas toujours le cas. ! ensuite, il n’est pas toujours aisé de définir si on est en Majeur ou en mineur même si on tient compte des altérations accidentelles..
joli exercice, beaucoup s’y sont cassé les dents MERCI de nous donner votre avis
Jean-Marie,
Voici deux articles consacrés à la tonalité. J’espère que ceux-ci répondront à vos interrogations.
Théorie sur la tonalité
Comment trouver la tonalité d’un morceau
Merci Benoît,
Pour connaître parfaitement ces règles, je peux dire que les deux articles traitant de la tonalité sont très bien faits. Encore faut-il préciser que cela n’est vrai à 100% que pour la musique dite classique. En effet, dans les morceaux modernes mais aussi en jazz, ça n’est pas aussi évident. J’ai sous les yeux la partition d’Annick Chartreux intitulée « Stompy » . C’est un petit morceau de blues sans altération à la clef. Nous sommes donc en DO M ou en la m. Le morceau commence et se termine par une basse de DO, de plus le morceau est très gai. Pour moi, il n’y a aucun doute, on est bien en DOM. Seul Bémol, si je puis dire, mes professeurs m’ont toujours appris que si dans le morceau il y a une seule altération accidentelle sur la dominante (ici le sol) nous sommes en mineur, Dans ce morceau le Sol est diésé au moins deux fois. Je dirais donc que les règles définies dans l’article sont correctes mais qu’il y a des exceptions.
Bonjour Jean-Marie,
Je joue très peu de jazz, mais je peux imaginer qu’il y a plus de libertés que dans le classique. Comme vous dites, si le morceau commence par Do, que le ton est gai, mais qu’il y a des apparitions de Sol #, on a selon la théorie : do majeur ou la mineur.